Im Zeichen des Zuhörens

Eine Ausstellung zu organisieren bedeutet vor allem, eine öffentliche Verantwortung zu übernehmen: nämlich Begegnungen zwischen Werken, Künstler:innen und unterschiedlichen Publika zu vermitteln. Im Laufe meiner beruflichen Laufbahn habe ich das Ausstellen nicht als einen Akt kuratorischer Autorität verstanden, sondern als eine fortwährende Praxis des Zuhörens, Übersetzens und der Erweiterung von Stimmen.

Historisch gesehen haben Museen und Kunstinstitutionen häufig als Filter fungiert, die hegemoniale Narrative verstärkten und dabei Praktiken, Territorien und Subjekte ausschlossen. Heute erscheint es dringend notwendig, diese Mechanismen neu zu denken. Eine Ausstellung sollte die Künstler:innen nicht unter einem übermäßig selbstreferenziellen kuratorischen Konzept verschwinden lassen, sondern Bedingungen schaffen, unter denen sich ihre Forschung und Praxis mit Klarheit, Komplexität und Kraft entfalten können. Das bedeutet, Methoden zu überdenken, Sichtbarkeiten neu zu verteilen und anzuerkennen, dass jedes Werk einen Kontext in sich trägt, der nicht neutralisiert werden kann.

Sichtbarkeit zu schaffen bedeutet nicht lediglich, mehr Werke zu zeigen oder die Zahl der ausgestellten Künstler:innen zu erhöhen. Es geht vielmehr darum, nachhaltige Strukturen der Sichtbarkeit aufzubauen, die Produktionszeiten, kulturelle Besonderheiten und unterschiedliche Wissensformen respektieren. Es bedeutet ebenso, sicherzustellen, dass historisch marginalisierte Künstler:innen nicht nur als Ausnahme erscheinen, sondern als konstitutiver Bestandteil des institutionellen Diskurses.

In diesem Prozess übernimmt das Kuratieren eine Rolle kritischer Vermittlung. Ihre Aufgabe besteht darin, offene Narrative zu schaffen, die die Bedeutung der Werke nicht abschließen, sondern das Publikum zu einer aktiven Auseinandersetzung einladen. Die Ausstellung wird dadurch nicht länger zu einem Raum der Behauptung von Gewissheiten, sondern zu einem Feld von Möglichkeiten – einem Territorium, in dem multiple Lesarten nebeneinander bestehen und sich gegenseitig herausfordern.

Ein weiterer grundlegender Aspekt ist die Beziehung zum Publikum. Sichtbar zu machen bedeutet auch, zugänglich zu machen. Dies reduziert sich nicht auf physische oder pädagogische Zugänglichkeit, sondern umfasst ebenso die Frage, wie unterschiedliche Publika sich in den präsentierten Werken und Geschichten wiederfinden können. Wenn Besucher:innen sich durch eine Ausstellung gespiegelt, irritiert oder herausgefordert fühlen, entsteht eine Beziehung, die über reine Kontemplation hinausgeht und sich einer wirklichen Erfahrung annähert.

Schließlich ist es wichtig, anzuerkennen, dass Sichtbarkeit auch Verantwortung bedeutet. Wenn wir Künstler:innen in den institutionellen Raum bringen, tragen wir zur Konstruktion ihrer Laufbahn und zur Zirkulation ihrer Werke bei. Dies verlangt ein Engagement für die Integrität ihrer Praxis und für die Weise, in der diese präsentiert und kontextualisiert wird.

Ausstellungen zu machen ist daher eine Praxis der Fürsorge und des Zuhörens. Es bedeutet, Bedingungen dafür zu schaffen, dass Künstler:innen in ihrer Pluralität existieren können und dass ihre Arbeiten Resonanz in der Welt finden. Es geht weniger darum, Werke zu beleuchten, als vielmehr darum, Wege zu eröffnen – Wege, die Geschichten, Wissensformen und Sensibilitä­ten miteinander verbinden und den Horizont dessen erweitern, was gesehen, gesagt und imaginiert werden kann.

In den vergangenen Jahren hat die Pinacoteca de São Paulo einen tiefgreifenden Prozess der Revision ihrer Sammlungspolitik, Sammlungspraxis und ihrer Formen öffentlicher Präsentation durchlaufen. Das Museum wird dabei nicht länger als ein Ort der Bestätigung eindeutiger Narrative verstanden, sondern als ein Organismus in permanenter Transformation, durchlässig für die Dringlichkeiten der Gegenwart und für die Erinnerungskonflikte, die die brasilianische Gesellschaft prägen. Dieser Wandel bedeutete eine Verschiebung weg von einer Kunstgeschichte, die auf hegemonialen Zentren und rigiden Kategorien beruhte, hin zu einem relationaleren Ansatz, der unterschiedliche Zeitläufte, Territorien, Kosmologien und soziale Erfahrungen aufnehmen kann.

Die Erweiterung der Sammlung erfolgte in den letzten Jahrzehnten nicht nur quantitativ, sondern vor allem konzeptionell. Wir begannen, indigene, afrobrasilianische, sogenannte arte popular und zeitgenössische Produktionen konsequenter einzubeziehen, die historisch am Rand institutioneller Sammlungen verblieben waren, und erkannten dabei an, dass die Idee des kulturellen Erbes fortlaufend neu verhandelt werden muss. Es geht nicht allein darum, Lücken zu schließen, sondern vielmehr darum, jene Kriterien zu hinterfragen, die über lange Zeit bestimmten, was bewahrt, gezeigt und erforscht werden sollte. In diesem Sinne wird die Sammlung nicht länger als ein fixes Ensemble exemplarischer Werke verstanden, sondern als ein lebendiges Feld von Beziehungen, Spannungen und Möglichkeiten des Zuhörens.

Dieser Wandel wirkt sich auch unmittelbar auf die Weise aus, wie die Sammlung dem Publikum präsentiert wird. Die Dauerausstellungen der Pinacoteca privilegieren heute weniger lineare, sondern eher experimentellere Annäherungen, indem sie Dialoge zwischen unterschiedlichen historischen Perioden, Sprachen und kulturellen Kontexten ermöglichen. Anstatt ein kontinuierliches und totalisierendes chronologisches Narrativ brasilianischer Kunst zu bekräftigen, versuchen wir Räume des Zusammenlebens zwischen Werken zu schaffen, die Reibungen, Gegensätze und geteilte Imaginationen sichtbar machen. Die Sammlung fungiert dadurch nicht länger als Illustration einer bereits bekannten Geschichte, sondern wird zu einem kritischen Instrument der Reflexion über das Land, seine sozialen Strukturen sowie seine Prozesse von Ausschluss und Zugehörigkeit.

Gleichzeitig hoffen wir, dass diese Veränderungen nicht nur den Inhalt des Museums betreffen, sondern die Institutionsstruktur selbst. Die Sammlungspolitik zu überdenken bedeutet auch, Formen des Erwerbs, der Forschung, der Konservierung und der Vermittlung neu zu betrachten und den Austausch mit Künstler:innen, Forscher:innen, Gemeinschaften und unterschiedlichen Publika zu erweitern. Die Pinacoteca versucht sich zunehmend als ein Raum kultureller Begegnung und Vermittlung zu behaupten, in dem die Komplexität brasilianischer Erfahrungen ohne die Notwendigkeit versöhnender Synthesen hervortreten kann.

In diesem Prozess nimmt das Museum die Unabgeschlossenheit als konstitutive Bedingung an. Eine Sammlung ist kein transparenter Spiegel der Geschichte, sondern eine situierte Konstruktion, geprägt von Entscheidungen, Abwesenheiten und Konflikten. Diese Schichten sichtbar zu machen, gehört heute vielleicht zu den wichtigsten Aufgaben kultureller Institu­tionen: nicht stabile Gewissheiten über die Vergangenheit anzubieten, sondern Möglichkeiten dafür zu eröffnen, dass neue Lesarten und Formen der Zugehörigkeit kontinuierlich entstehen können. Nur so wird es möglich sein, sich die Zukunft einer pluralen Gesellschaft vorzustellen.

Ein besonders bedeutendes Beispiel dieser institutionellen Transformation ist das Projekt zur Erarbeitung kommentierter Wandtexte für Werke indigener Künstler:innen in der Ausstellung der Sammlung der Pinacoteca. Es geht dabei um weit mehr als die bloße Erweiterung der Präsenz dieser Produktionen in den Räumen des Museums; sondern vielmehr darum, anzuerkennen, dass Inklusion sich nicht auf den Akt beschränken darf, zuvor abwesende Werke öffentlich zu zeigen. Sie bedeutet auch, interpretative Autorität zu teilen und Raum dafür zu schaffen, dass indigene Künstler:innen und Forscher:innen aktiv an der Konstruktion jener Diskurse teilnehmen, die das Museum durchziehen. Diese Texte sind Vermittlungsinstrumente, die historisch verfestigte Perspektiven verschieben können, indem sie Erzählungen in der ersten Person, kosmologische Referenzen, territoriale Erinnerungen und Wissensformen einbeziehen, die sich häufig den traditionellen Rahmen westlicher Kunstgeschichte entziehen. Indem unterschiedliche Stimmen innerhalb der Institution koexistieren können, versucht die Pinacoteca, die Erfahrung der Sammlung selbst in einen Raum des Zuhörens und der kulturellen Verhandlung zu transformieren – einen Raum, in dem das Museum nicht länger nur über andere spricht, sondern beginnt, tatsächlich mit ihnen zu sprechen.

Jochen Volz (*1971 in Braunschweig) ist ein deutscher Kunsthistoriker, Ausstellungsmacher und eine der prägendsten kuratorischen Stimmen an der Schnittstelle zwischen der europäischen und lateinamerikanischen Kunstwelt. Seit 2017 leitet er als Generaldirektor die Pinacoteca de São Paulo, das älteste und eines der bedeutenden Kunstmuseen Brasiliens. Nach dem Studium der Kunstgeschichte begann er seine Laufbahn Anfang der 2000er-Jahre am Portikus in Frankfurt am Main (2001–2004). Bereits 2004 zog es ihn nach Brasilien. Dort war er als künstlerischer Direktor maßgeblich am Aufbau des Instituto Inhotim (2004–2013) beteiligt, das sich unter seiner Mitwirkung zu einem der spektakulärsten Zentren für zeitgenössische Kunst und Botanik weltweit entwickelte. Im Anschluss wechselte er nach London, wo er von 2012 bis 2015 als Head of Programmes an den Serpentine Galleries wirkte. Gemeinsam mit Daniel Birnbaum war Volz 2009 Co-Kurator von „Fare Mondi“, der internationalen Ausstellung der 53. Biennale di Venezia. 2016 kuratierte Volz „Incerteza Viva“, die 32. Biennale von São Paulo, die für ihren visionären Fokus auf Ökologie und indigene Perspektiven weltweit gefeiert wurde. Im Jahr 2017 war er Kurator des brasilianischen Pavillons der 57. Biennale di Venezia, wo er „Cinthia Marcelle – Hunting Ground“ präsentierte. Volz war Teil der Findungskommission der documenta 15. 2017 wurde Volz von Independent Curators International, New York, mit dem Agnes Gund Curatorial Award ausgezeichnet.